Disco Della Settimana – Pagina 13

Dave Gahan & Soulsavers “Imposter”. Disco della settimana

Dave Gahan torna a collaborare con Soulsavers (stavolta solo Rich Manchin) in un nuovo album dal titolo ‘Imposter’ appena pubblicato. Gahan, già voce dei Depeche Mode, ha scelto accuratamente i 12 brani che compongono la tracklist di questo nuovo lavoro, per accompagnare gli ascoltatori in un viaggio musicale che attraversa generi e momenti diversi, includendo, tra gli altri, brani di Neil Young, Bob Dylan, PJ Harvey, Gene Clark, Cat Power e Mark Lanegan.

Imposter è la storia di canzoni, ascoltate, studiate e assorbite cui è stata data una nuova vita. Tutti i brani hanno infatti un profondo significato per Dave, rendendo quindi l’album una riflessione sulla sua stessa vita, una storia raccontata da altri, ma comunque impregnata della voce distintiva dell’artista.

“Quando ascolto le voci e le canzoni delle altre persone, e più precisamente il mondo in cui le cantano e interpretano le parole, mi sento a casa, mi ci identifico. Mi dà conforto più di qualsiasi altra cosa. Non c’è un solo artista all’interno del disco che non mi abbia fatto commuovere. So che abbiamo realizzato qualcosa di speciale, e spero che le altre persone percepiscano tutto questo e che ciò le faccia trasportare in una sorta di viaggio. Si tratta di canzoni che contengono il vissuto di chi le ha scritte e che mi hanno colpito nel corso della mia vita. Mi hanno fatto sentire parte di qualcosa. Per cantare un brano io ho sempre bisogno di trovarci dentro il mio posto, la mia idea, il mio personaggio”.

Il primo brano estratto da “Imposter” è stato “Metal Heart”, brano del 1998 scritto da Chan Marshall (Cat Power), seguito da “The Dark End Of The Street” , una magistrale reinterpretazione del brano scritto da Chips Moman e Dan Penn, già rivisitato da artisti del calibro di Aretha Franklin, Linda Ronstadt e Elvis Costello.

A differenza dei precedenti lavori tra di Dave Gahan e i Soulsavers, che sono derivati da collaborazioni e confronti a distanza, Imposter è stata realizzato live con una band di 10 elementi ai Shangri-La Recording Studio a Malibu, in California. Questo ha portato a una collaborazione più intima, ma ha anche dato a Dave & Soulsavers la possibilità di assorbire veramente l’atmosfera dei brani e di infondere nelle tracce uno spirito diverso.

In una recente intervista, Dave Gahan ha dichiarato che “Questa è stata la prima volta che ci siamo ritrovati tutti in un posto. È stata anche fortuna arrivare a Shangri-La ogni giorno era magico. In alcuni casi mi sono separato rapidamente dalla voce originale» ha spiegato Dave Gahan a proposito del processo creativo di Imposters, «Altre volte ci ho messo più tempo per via della presenza gigantesca e del potere dell’interprete originale. Neil Young o Elvis per esempio: ci ho messo un po’ a liberarmi di loro! Lo dico con il massimo rispetto, ovviamente».

Dave Gahan e Rich Machin si sono ispirati al lavoro fatto da Rick Rubin con Johnny Cash nei suoi album di cover, in particolare American IV: the Man Comes Around. «La sua versione di Hurt dei Nine Inch Nails mi ha sconvolto, e continua a farlo» ha detto Dave Gahan, «Ho saputo dalle persone che hanno lavorato a quel disco che Johnny Cash a volte non aveva assolutamente idea di chi fossero gli artisti che avevano fatto la versione originale di alcuni pezzi».

Questa la tracklist di quello che è il nostro nuovo “Disco della settimana”

No.	Titolo	Autore	Versione originale di:
1.	“The Dark End of the Street”	Dan Penn Chips Moman	James Carr
2.	“Strange Religion”	Mark Lanegan	Mark Lanegan
3.	“Lilac Wine”	James Shelton	Eartha Kitt
4.	“I Held My Baby Last Night”	Elmore James	Elmore James
5.	“A Man Needs a Maid”	Neil Young	Neil Young
6.	“Metal Heart”	Chan Marshall	Cat Power
7.	“Shut Me Down”	Rowland S. Howard	Rowland S. Howard
8.	“Where My Love Lies Asleep”	Gene Clark	Gene Clark
9.	“Smile”	Charlie Chaplin John Turner Geoffrey Parsons	Nat King Cole recorded the first version with lyrics
10.	“The Desperate Kingdom of Love”	PJ Harvey	PJ Harvey
11.	“Not Dark Yet”	Bob Dylan	Bob Dylan
12.	“Always on My Mind”	Wayne Carson Mark James Johnny Christopher	Gwen McCrae

Nathaniel Rateliff & The Night Sweats, Disco della settimana.

The Future di Nathaniel Rateliff & The Night Sweats è il nostro Disco della settimana. Southern soul, country cosmico, gospel bianco, echi della Stax (non a caso l’etichetta che pubblica il lavoro). Suoni in stile Muscle Shoals Studio, schegge di Dylan, Van Morrison e The Band e uno staff produttivo assolutamente contemporaneo e di prim’ordine.

Nathaniel Rateliff & The Night Sweats hanno appena pubblicato il terzo album in studio The Future per Stax Records/Universal. Registrato nel nuovo studio di Rateliff in Colorado, The Future è prodotto da Bradley Cook (Bon Iver, Kevin Morby, The War On Drugs) insieme a R.M.B. ossia il trio di produttori composto dallo stesso Rateliff, da Patrick Meese (The Night Sweats) e da James Barone (Beach House). La stessa squadra vincente di And Its Still Alright, l’acclamato album solista uscito nel 2020. Il musicista, ingegnere del suono e produttore Elijah Thompson (Father John Misty, Richard Swift) ha contribuito alla produzione finale mentre Jenny Lewis, Jess Wolfe (Lucius) e Amelia Meath hanno partecipato come ospiti all’incisione dell’album.

Nathaniel Rateliff & The Night Sweats sono: Rateliff (voce e chitarra), Joseph Pope III (basso), Meese (batteria e percussioni), Luke Mossman (chitarra), Mark Shusterman (tastiere), Andreas Wild (sax), Daniel Hardaway (tromba) e Jeff Dazey (sax).

Rateliff è nato a St. Louis, nel Missouri, il 7 ottobre 1978. È cresciuto nelle zone rurali del Missouri, imparando a suonare la batteria all’età di sette anni e unendosi alla banda evangelica della sua famiglia. Quando Rateliff aveva 13 anni, suo padre morì in un incidente d’auto. Da autodidatta ha iniziato a scrivere le sue canzoni alla chitarra. A diciotto anni, Rateliff si trasferì a Denver, Colorado, da missionario, lì intraprese infine la carriera di musicista. Dal 2013 Nathaniel Rateliff si esibisce con i Night Sweats approdando alla leggendaria Stax.

Tracklist:
1. The Future
2. Survivor
3. Face Down In The Moment
4. Something Ain’t Right
5. Love Me Till I’m Gone
6. Baby I Got Your Number
7. What If I
8. I’m On Your Side
9. So Put Out
10. Oh, I
11. Love Don’t

The War On Drugs “I Don’t Live Here Anymore” – Disco della settimana.

Quello di The War on Drugs è un rock in bilico fra classico e innovazione, una sintesi vagamente “AOR” (adult oriented rock) che a molti può far storcere il naso, ma che ha una sua indubbia efficacia, con riverberi di Springsteen, Tom Petty, Waterboys, Wilco e tanto suono, come si diceva una volta, “rock da FM” anni ’80.

The War On Drugs, giunti dalla scena indie/alternative ad essere “una delle migliori band rock del ventunesimo secolo” per NME, hanno pubblicato il loro nuovo album in studio dal titolo “I Don’t Live Here Anymore” venerdì 29 ottobre su etichetta Atlantic Records. “I Don’t Live Here Anymore” è un album rock fuori dal comune sul tema della resilienza di fronte alla disperazione.

“I Don’t Live Here Anymore” è il primo album in studio dei The War On Drugs dopo oltre quattro anni e il primo dopo aver vinto il Grammy come “Best Rock Album” per “A Deeper Understanding” del 2017. La particolare combinazione di complessità e immaginazione della band da corpo ai 10 brani dell’album, appoggiandosi sui sentimenti dell’odissea personale di Adam Granduciel, l’anima della band. Trattazioni più estese sui contenuti dell’album si possono trovare su Pitchfork e sul The New York Times.

I War On Drugs saranno i protagonisti del Desert Daze il mese prossimo. Il loro tour partirà il 19 gennaio da Austin, TX e li porterà in molte delle più grandi venue in cui abbiano mai suonato fino ad ora , incluso il loro primo show da headliner al Madison Square Garden. La band sarà live anche in Italia il 5 aprile all’Alcatraz di Milano per un unico ed imperdibile show. Per tutte le date del tour vai su http://www.thewarondrugs.net/tour

“Hanno raggiunto grandissimi risultati con brani realizzati in modo meticoloso, col tempo hanno cambiando i loro suoni per ottenere qualcosa di più strutturato e diretto”- The New York Times

“The War On Drugs hanno raggiunto l’apice con “I Don’t Live Here Anymore” – Pitchfork, Best New Track

“‘I Don’t Live Here Anymore’ è il miglior album della band finora e potrebbe essere il miglior album rock del 2021” – The Wall Street Journal

“[The War On Drugs] continuano a spingere oltre ai confini del rock classico e nel farlo la loro musica è la migliore fino ad oggi” – Entertainment Weekly

“Il suono di una band che si diverte, una band che non è mai stata così sicura di ciò che fa meglio” – Rolling Stone

“I Don’t Live Here Anymore è l’album dei War On Drugs più concreto e il migliore” – MOJO

“I Don’t Live Here Anymore” di The War On Drugs, è il nostro Disco della settimana.

Tracklist

Living Proof
Harmonia’s Dream
Change
I Don’t Wanna Wait
Victim
I Don’t Live Here Anymore
Old Skin
Wasted
Rings Around My Father’s Eyes
Occasional Rain

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Tori Amos “Ocean To Ocean” – Disco della settimana

Tori Amos ha pubblicato il suo attesissimo nuovo album Ocean to Ocean il 29 ottobre su Decca Records. Una raccolta di canzoni dalla forte carica emotiva che narrano una storia universale, quella di una crisi profonda per rinnovarsi di nuovo.

Mentre le comunità di tutto il mondo subivano i colpi della pandemia e delle misure politiche e sanitarie ad essa connesse (perdita di vite umane, della musica dal vivo, della socialità, dell’istruzione, dei viaggi e molto altro) anche Tori Amos ha trascorso un momento estremamente difficile.

La traccia principale dell’album ed il primo singolo da esso estratto, “Speaking With Trees”, affronta con sincerità il dolore provato dagli artisti in un periodo in cui non c’era speranza in vista per la musica dal vivo. L’energia repressa di Tori Amos è tangibile nel suo pianoforte a moto perpetuo incorniciato dalla turbolenta batteria e percussioni di Matt Chamberlain. “Ho nascosto le tue ceneri sotto la casa sull’albero, non sorprenderti, non posso lasciarti andare”.

Impossibile per Tori Amos star ferma durante il lockdown, suona dal vivo da quando aveva tredici anni. Divide la sua vita tra Cornovaglia, Florida, e la strada. Le sue canzoni nascono dal viaggio e dall’osservazione. Il suo ultimo disco in studio, Native Invader del 2017, univa quattro filoni estremamente disparati – un viaggio in Tennessee, storie ispirate ai suoi antenati, l’ascesa di Donald Trump e la lenta perdita di sua madre per un ictus – con energia e coesione. Ma senza musica dal vivo, viaggi o altro da osservare, Tori Amos ha trascorso il periodo di pandemia con forte disagio; rintnata in Cornovaglia, ha vissuto una crisi personale non dissimile da quella che moti hanno sofferto durante il terzo blocco del Regno Unito – quello in inverno, che sembrava non dover finire mai.

Contro ogni previsione, quella crisi ha portato a Ocean to Ocean, il lavoro più personale di Amos da anni: un album esplosivo per calore e connessione, con profonde radici nella sua prima composizione. È scesa in uno stato emotivo più profondo di quanto avesse mai fatto prima, ma la profondità è diventata creativa, riportandola al tipo di introspezione del suo album di debutto Little Earthquakes. “Questo è un album sulle tue perdite e su come le affronti”, dice. “Per fortuna quando hai vissuto abbastanza a lungo, puoi riconoscere che non ti senti come la mamma che vuoi essere, la moglie che vuoi essere, l’artista che vuoi essere. Mi sono resa conto che per cambiare questo, devi scrivere dal luogo in cui ti trovi. Ero nel mio inferno privato, quindi mi sono detto, allora è da lì che scrivi – l’hai già fatto prima… ”

Scritta tra marzo e l’estate di quest’anno, Ocean to Ocean è una storia universale, ovvero toccare il fondo e rinnovarsi di nuovo. In Cornovaglia era circondata da coloro che amava: suo marito Mark, la figlia adulta Tash e il suo ragazzo. Per un disco scritto in un ambiente intimo, due sono le cose da sottolineare: la sua ricca varietà stilistica, dal tango al romanticismo, e la immediatezza delle canzoni, che scorrono quasi come una serie di lettere d’amore alla famiglia sia presente che assente. È, in un certo senso, il suo disco più “Cornish”, legato alla sua terra, realizzato finora: l’opera d’arte dice tutto, con Tori Amos che ha girato sulle scogliere e nelle grotte sulle coste sud-occidentali della contea per collezionare immagini.

“Se hai elaborato cose tristi viaggiando, sei riuscita a eliminarle”, dice. “Il mio schema è sempre stato quello di saltare su un aereo e andare negli Stati Uniti. Viaggiavo solo per fare nuove esperienze. Dovevo invece trovare un luogo e “viaggiare” come facevo quando avevo cinque anni, nella mia testa”.

Un senso di dislocazione, sia geografica che emotiva, è presente nella title track, il cui dramma si svolge sulle coste del Regno Unito e degli Stati Uniti. È una canzone di parentela e amore, sull’aggrapparsi l’uno all’altro attraverso tempi difficili con un’urgenza malinconica che abbiamo sentito nel lavoro di Tori Amos fin dall’inizio.

“Ho preso l’impegno di cercare di guardare le cose in un modo che mi portasse a rafforzarmi”, dice Tori. “Ma che cos’è il potere? A volte non sei ancora pronto per alzarti in piedi, devi iniziare dallo stare seduto per terra. Tutti abbiamo avuto momenti che possono buttarci giù. Questo album si trova con te dove sei, specialmente se sei in un luogo di perdita. Sono affascinata quando qualcuno, dopo aver attraversato una tragedia, riesce a superare il proprio dolore. È lì che sta il valore. Quando qualcuno è effettivamente in quel posto, pensando “è finita”, come raggiungi quella persona? Non si tratta di una pillola o di una doppia dose di tequila. Si tratta di stare insieme nel fango. Ti incontrerò nel fango.»

Dall’uscita del suo primo album solista che ha tracciato la carriera, Little Earthquakes, e del suo album numero 1 Under The Pink, Tori Amos è stata una delle artiste più longeve e ingegnose dell’industria musicale, con tre album nella top 10 e il singolo di grande successo globale Professional Widow che è rimasto nella Top 40 per ben 15 settimane e ha continuato a risuonare nei club per oltre un decennio. Tori è passata dal successo commerciale del pop a una musica che affronta seri problemi relativi al genere femminile, aprendo successivamente la strada a una generazione di giovani popstar attiviste. Dalla sua rappresentazione viscerale dell’aggressione sessuale in Me and a Gun e dal suo album dopo l’11 settembre Scarlet’s Walk al suo musical teatrale decisamente femminista The Light Princess, il suo lavoro non ha mai evitato di mescolare il personale con il politico. Nota per la sua grande attenzione ai problemi umanitari, Tori è stata la prima voce pubblica per RAINN (Rape, Abuse, and Incest National Network), che è la più grande organizzazione anti aggressione sessuale degli Stati Uniti e continua a essere membro del suo National Leadership Council.

Ocean to Ocean sarà disponibile anche in vinile (2 LP) il 28 gennaio 2022.

Tori Amos sarà in concerto in Italia nell’ambito del tour europeo il 22 febbraio 2022 a Milano, Teatro degli Arcimboldi.

Ocean To Ocean è il nostro Disco della settimana.

Low Hummer “Modern Tricks For Living” – Disco della Settimana

Post punk, electro, garage, dream pop, riverberi 90’s e pulsazioni dance. “Modern Tricks For Living” dei giovanissimi Low Hammer è il nostro disco della settimana.

Album di debutto per la promettente band di Hull formata alla fine del 2019 da Dan Mawer (voce e chitarra), Aimee Duncan (voce e chitarra), John Copley (chitarra), Jack Gallagher (basso), Stephanie Hebdon (testiere e chitarra) e Joe Gray (batteria).

L’album, prodotto da Matt Peel (Menace Beach, Pulled Apart By Horses, Crushed Beaks) è stato registrato presso il The Nave studio di Leeds ed è un caleidoscopio di
post punk, electro, garage, dream pop, riverberi 90’s e pulsazioni dance punteggiato da tastiere e taglienti riff di chitarra accompagnato da testi cinici e ironici.

“Modern Tricks For Living”, pubblico da Dance To The Radio (etichetta di Leeds con un nome che è già un manifesto), è stato anticipato dai singoli “I Tell You What”, “Never Enough”, “Human Behaviour” e “The People, This Place”.

Official site: www.lowhummer.com

The Bevis Frond “Little Eden” – Disco della settimana

Little Eden è il nuovo album di The Bevis Frond, appena uscito per Fire Records. Una panoramica psichedelica della Gran Bretagna moderna, punteggiata da melodie pop e malinconia inglese.

L’album scorre con un avvolgente soffio di maturità che pervade la fatalistica Do Without Me e l’ossessionante Hold Your Horses, che suona come un outtake di Dylan da The Basement Tapes. In Little Eden si ritrova tutto il bagaglio musicale condiviso con Teenage Fanclub o Dinosaur Jr, quell’approccio molto anni 90 alla tradizione di Neil Young, ai Love di Arthur Lee, ai Byrds ed ai Kinks, fino a Hendrix, rivisto tramite il suono “alternative” o “grunge”.

Little Eden è un disco prodotto in solitario da Nick Saloman, e forse soffre di una certa prolissità e di una produzione inferiore alle aspettative, ma che inanella una serie di tracce della consueta, cristallina, bellezza, al servizio di un concept simile al “The Village Green Preservtion Society” dei Kinks, una denuncia all’austerità e alla freddezza che sono arrivate a definire in maniera troppo marcata la nostra società moderna in contrapposizione a piccoli Eden immaginari o reali nella sfera personale.

“A cult favourite” Pitchfork

“A perennially underrated English cult figure” Classic Rock

“Still mixing pop, punk and psych to giddy effect” The Guardian

Little Eden di The Bevis Frond è il nostro “Disco della settimana”!